Журнал «ПАРТНЕР»
Доменико Теотокопули принял прозвище – Эль Греко (грек), то есть «чужой». Его имя уже при жизни воспевали поэты, работать к нему в мастерскую напрашивались десятки учеников. Однако никто и никогда не смог его повторить. Гениальная – иначе не скажешь – собственная манера письма Эль Греко, отдаленно напоминавшая итальянский стиль «маньеризм», постепенно всё дальше уходила от реалистической живописи.
Следить с замиранием сердца за гибельными и прекрасными играми природы, даже если для этого приходится балансировать у жерла действующего вулкана, свойственно человеку. Это то самое «упоение в бою и бездны мрачной на краю», о котором писал Пушкин в «Маленьких трагедиях», и которое передал Брюллов в своем полотне, вот уж почти два века заставляющем нас восхищаться и ужасаться.
Начало лирическому пейзажу положил А.К.Саврасов (1830-1897) картиной «Грачи прилетели» (1871), которая на долгие годы стала символом пробуждающейся весны. В конце ХIХ в. новую русскую живопись, которую стали называть «молодой московской школой», возглавил выдающийся русский художник В.Д.Поленов(1844-1927), давший жизнь лирическому пейзажу, в котором присутствовал и бытовой жанр. Примерами такого пейзажа стали его известные картины «Московский дворик»(1878), «Осень в Абрамцеве» (1890) и др.
Человеку, увидевшему отреставрированную картину Рафаэля, неловко читать рассуждения искусствоведов ХХ века о характерной для «Обручения» «приглушенной цветовой гамме» и «благородном оттенке старой слоновой кости». Краски картины – насыщенные, ликующие, чистые, сверкают так же ярко, как и ее драгоценная позолоченная рама.
Когда сорокашестилетний Климт написал «Поцелуй», он был уже зрелым, сложившимся, и (хотя его работы часто эпатировали чопорную публику) очень успешным мастером. Как один из основателей и лидер художественного объединения «Сецессион» в Вене, отвергавшего традиции академического искусства, Климт был известен всей Европе. Стиль венского «Сецессиона» (аналог югендстиля в Германии, ар нуво во Франции) ассоциировался прежде всего с именем Климта.
Синие цветы, синие листья, нежно-голубые бутоны, всё это – настоящий поэтический мир. Передо мной ваза из голландского Дельфта и самоварчик с крошечным заварочным чайничком из русской Гжели. На вазе – узор из синих цветов, напоминающих тюльпаны. На выпуклом «пузе» – пейзаж, знакомый по многим картинам голландских художников: мельница, море, парусник. На «туловище» самоварчика – цветы, чем-то напоминающие колокольчики и бутоны репейника. Черный, как сажа, кобальт, который применяют художники-керамисты при росписи, после обжига становится ярко-синим. Дельфтский мазок – плотный, одноцветный, а в гжельском видна сразу вся гамма цвета: от очень темного до светлого. Дельфт в Голландии, между Гаагой и Роттердамом, Гжель – за сотни километров в России, недалеко от Москвы.
Среди национальных школ живописи, воспринявших прогрессивные идеи французского искусства, видное место занимает румынская живопись XIX века. Творчество великого румынского художника Николае Григореску явилось значительным вкладом Румынии в сокровищницу европейского и мирового искусства XIX века. Значительная часть картин Григореску создана в Бретани (Франция), где художник часто бывал в период с 1876 по 1886 гг. Здесь он писал крестьян, рыбаков, интерьеры, морские пейзажи. Однако большая часть его работ создана в родной Румынии, горячим патриотом, которой он всегда был. Хотя ему довелось испытать немало горьких моментов на родине, и иногда возникали мысли навсегда поселиться во Франции, но любовь к родному краю и родным для него людям заставили его отказаться от этого намерения.
В художественном музее Вупперталя (Фон дер Хейдт-Музее) открыта выставка живописи и графики одного из значительных художников Германии XIX столетия – Ханса фон Маре. Думаю, что многим нашим зрителям это имя пока неизвестно. Маре, родившийся 24 декабря 1837 года в Эльберфельде (теперь – центральная часть Вупперталя), учился в Академии художеств в Берлине, затем работал в Мюнхене, а с 1873 г. жил и работал в Италии – в Неаполе, Флоренции, Риме. В Эссене проходит выставка „Вилла Хюгель представляет Фолькванг-Музей“. Выставку можно было бы смело назвать «От Ренуара до Дали». Действительно, перед посетителями предстанут превосходные, полотна Мане, Ренуара, Беклина, Моне, Писсаро, Синьяка, Сезанна, Гогена, Ван Гога, Кандинского, Кирхнера, Макке, Миро... и далее до Дали, Эрнста, Магритта...
Среди внешне неброских и спокойных голландских пейзажей «Еврейское кладбище» сразу привлекает к себе внимание какой-то драматической напряженностью. Черная наэлектризованная тишина только что прошедшей грозы нависла над руинами старого здания, из мрака выступает белый искривленный ствол дерева. Солнечный луч прорывается сквозь облака, освещает полуразрушенные кладбищенские надгробия, сквозь которые пробивает себе путь водный поток. Уходят вдаль, в темноту горизонта, пологие холмы, над которыми только-только появляется радуга.
Сюрреализм, зародившийся во Франции, стал одним из интереснейших направлений авангардизма, причем это искусство получило развитие сразу во многих странах Европы, а затем и Америки. Важным отличием сюрреализма от других художественных течений начала ХХ века явилась его реализация в различных видах искусства: литературе, живописи, скульптуре, кино, музыке. Солидной философской базой сюрреализма стал фрейдизм. Сюрреализм, как течение в искусстве стал достоянием истории, и хотя о нем написано немало, он и в будущем будет представлять интерес для зрителей и исследователей искусства.
Каждый посетитель великолепной выставки «Bonjour Russland» в Дюссельдорфе увидел что-то свое. Для меня это было радостное свидание с Валентином Серовым, с его полотном «Ида Рубинштейн». У многих восторженных почитателей живописи Серова этот портрет при его первом появлении вызвал шок. Впервые у художника показана полностью обнаженная натура, хищная надменная поза, угловатая грация тела, неестественно прямая спина, огромная шапка волос на маленькой головке, большие вопрошающие, нет, вернее, влекущие к себе глаза и на фоне холодного, притушенного цвета тела — яркие, сверкающие, переливающиеся украшения на пальцах рук и ног. Знаток и собиратель живописи Савва Мамонтов очарованно восклицал: «Пламенем дышит на вас точеная, как у арабского коня, головка уверенной в своем обаянии блудницы». Валентин Серов называл свою модель «раненой львицей».
И вот еще одна выставка, которая подарила нам новую возможность соприкоснуться с искусством этого мастера. В конце октября в залах Художественного музея города Вупперталь (Von der Heydt-Museum) открылась экспозиция «Ренуар и пейзаж импрессионистов». Огюст Ренуар знаменит прежде всего своими великолепными женскими и детскими портретами, а вот его пейзажи известны меньше. Организаторы вуппертальской выставки сконцентрировали свое внимание именно на пейзажных полотнах художника.
«Немецкий художник, выходец из России» или наоборот: «русский художник, один из ярких представителей немецкого экспрессионизма» - так характеризуют Алексея Явленского энциклопедические словари. Художник большую часть жизни прожил за границей, и его имя гораздо лучше известно за пределами России, чем на родине. Явленский создал более трех с половиной тысяч произведений, его работы хранятся во многих музеях и частных коллекциях Европы и Америки, но в российских собраниях их не более двух десятков. В то же время, чем дольше Явленский жил в Европе, тем явственней проявлялась глубинная связь его творчества с русской культурой.
Немецкое изобразительное искусство достигло одной из вершин самобытности в экспрессионизме, который как нельзя полнее отражал его национальные особенности. Не удивительно, что немцы так активно посещают выставки художественного объединения экспрессионистов – «Синий всадник».
Интересно, что мюнхенское объединение «Синий всадник» (1911 – 1914) включало в себя кроме немцев Ф.Марка, А.Макке, М.Гюнтера, швейцарца П.Клее и француза Р.Делоне и ряд русских художников – В.Кандинского, А.Явленского, братьев Бурлюков и М.Веревкину.
Одним из самых замечательных явлений в искусстве ХХ века, оказавшим огромное влияние на всё его последующее развитие, был экспрессионизм. Наиболее значительные достижения этого направления искусства связаны с именами немецких художников–экспрессионистов начала ХХ века, и среди этих имен одно из первых мест, безусловно, принадлежит Августу Макке (August Macke).
В Лондонской Национальной галерее, в восточном ее крыле, что примыкает к Сент-Мартинс-плейс, есть зал № 34. Всякий раз, бывая в Лондоне, я заглядываю сюда хотя бы на полчаса. Я прихожу в этот зал ради одного шедевра позднего Тёрнера. Это картина «Дождь, пар и скорость – Большая Западная железная дорога».
Она и еще восемь более ранних работ, большей частью морские пейзажи, попали в Национальную галерею из студии художника на Квин-Энн-Стрит через несколько лет после его смерти...
Ван Гог часто писал цветы: ветви цветущих яблонь, каштанов, акаций, миндальных деревьев, розы, олеандры, ирисы, циннии, анемоны, мальвы, гвоздики, маргаритки, маки, васильки, чертополох… Цветок представлялся художнику «идеей, символизирующей признательность и благодарность».
Подсолнух был любимым цветком Ван Гога. В одном из его писем к брату Тео мы читаем: «Подсолнух, в некотором смысле, - мой». Художник писал подсолнухи одиннадцать раз...
